i mucho pero me faltó observar. Por eso, con ayuda de una Short guide de la bienal, puedo revivir algunas de las instalaciones que más llamaron mi atención y que mi cámara alcanzó a fotografiar. A continuación un brief de la Bienal de Arte de este año, en el mismo orden del recorrido en cual se presentan:
[Algunos artistas]
MICHELANGELO PISTOLETTO:“Mirror Paintings” de 1961, Una serie de espejos rotos en un salón, que simbolizan parte integral de la poética del artista y la introspectiva sobre cómo concebimos el auto retrato experimentando con la universalidad del espejo; un tema explorado en Twenty-two less two. Estos espejos fueron rotos por el artista el primer día que la muestra abrió a la prensa.
Me pareció un poco anecdótico entrar a una sala con espejos rotos sin saber qué pasaba y sin entender la muestra. Hay que conocer el trabajo desde los 60’s de Pistoletto para lograr entender que es una extensión de su trabajo e investigación. Lo más interesante es lo que justamente pasó el primer día, pero que los millones de visitantes normales no tuvimos acceso, el performing del artista, ver a Pistoletto rompiendo su obra y haber podido escuchar el estruendo de miles de vidrios cayendo.
YONA FRIEDMAN:
El trabajo teórico sobre arquitectura y urbanismo de Friedman es muy conocido por su idea visionaria del estilo de vida urbana. Con “Ville Spatiale” de 1956, muestra una idea urbanística que consiste en que los elementos de una ciudad están linkeados y los residentes son libres de construir sus casas de acuerdo a sus propias necesidades. La instalación estaba hecha en el techo extendida sobre varios metros cuadrados que entramaban cables sosteniendo los “elementos urbanísticos”.
Si bien también representa una extensión de las investigaciones del artista, como en el caso de Pistoletto, esta muestra no contempla una loss performance por lo que el espectador recibe el trabajo completo y entiendes rápidamente la congruencia del discurso del artista con lo que estas observando.
SIMONE BERTI:
Pinturas de pedestales, estructuras metálicas y máquinas evocan la fragilidad humana y la precariedad de las redes sociales. Elementos alineados sin un relato, formas florales flotando en un espacio abstracto, vegetación y sistemas planetarios; mundos sugeridos marcados por lo impredecible y un espectro de posibilidades.
Un trabajo pulcro, relajante e inspirador, que inquietan al mostrar estructuras pesadas que parecen livianas, elementos en plena levedad, elementos incongruentes para unir pero descolocantes al verlos juntos. Me encantó esta muestra.
GOSHKA MACUGA:
Un banner de tela entre dos pilares que se anuncia iluminado, toma forma y titulo del famoso emblema, creado por Charles V, el cual luego dio origen al símbolo del dólar estado unidense. Este trabajo está basado en la investigación dentro de la historia cultural, el comentario del artista sobre la política contemporánea, la economía, y sociología.
Más que el tema, puse este trabajo por la grandiosidad o esta ilusión de imponencia de la muestra; en cuanto uno entra al salón, te sorprende un lienzo con colores de cuento e iluminado de tal manera que te da inmediatamente la sensación de estar dentro de un relato histórico, el cual te hace parte cuando pasas por debajo de él y sientes que “entras” al cuento.
PASCALE MARTHINE TAYOU:
“Human Being” de 2007, evoca la arquitectura de una pequeña aldea de África que incluye la representación de los eventos de la vida cotidiana de todo el mundo, estableciendo nuevas conexiones entre formas e historias que supuestamente pertenecen a culturas y lugares radicalmente diferentes.
Llama la atención por la enorme cantidad de elementos dispuestos en la sala provocando una confusión; no sabes si corresponde a una realidad africana (ves sacos de drogas y te puedes llevar postales sobre una aldea) o es un popurrí de experiencias o prácticas de todo el mundo. De igual forma asombra la crudeza de puntas de acero o alfileres y la rareza de figuras ensambladas como gnomos de vudú, e imágenes proyectadas de gente fotografiando.
RICHARD WENTWORTH:
La idea de este artista es separar elementos familiares de su entorno normal y ponerlos en una nueva constelación, de manera de encontrar nuevas formas y usos.
Simple. Pero lo pongo en esta lista porque lo simple genera preguntas curiosas.
PAUL CHAN:
Las proyecciones de sombras de Paul Chan interpretan “Los 120 días de Sodoma” en escenas de 45 segundos del Marqués de Sade, a las cuales se refiere como “estrofas”. Violentas palizas, acosos sexuales, y literalmente violaciones múltiples evocan a Sade, mientras que el ritmo de la pieza refleja lo que Gilles Deleuze describe, en frialdad y crueldad, como una “aproximación mecanística (del lenguaje) adquirida del espíritu matemático” de Sade. Este espíritu matemático es también reflejado en el video de formas geométricas, las cuales Chang describe como el significado de una distancia establecida. Las mismas sombras parecen ser mas formas geométricas que figuras humanas, ya que están reducidas al más simple contorno posible. Chan describe que usó las proyecciones de las sombras para “empobrecer” su trabajo ya que se quería mostrar a un nivel simbólico como oposición de simples ilustraciones de actos de sexo y violencia.
Creo que las imágenes se muestran muy simples. Sombras negras haciendo movimientos sexuales sobre formas geométricas. Sin embargo, esto basta para entender el contexto. Es un tema que todos hemos visto de diferentes expresiones, por lo que lo fuerte y crudo que puede llegar a ser, se produce en nuestras mentes; al momento de ver ciertas figuras nos imaginamos y nos damos cuenta exactamente de lo que se quiere hablar. Una representación de actos sexuales y violencia que no necesitaron recurrir a la sangre ni a la crudeza de una imagen real para conmocionar a toda su audiencia.
MOSHEKWA LANGA:
Numerosas instalaciones, collages, pinturas, dibujos, fotografías, y videos toman formas cartográficas, que tematizan sobre viajes y desplazamientos. Su cartografía establece links, entre el tiempo y espacio, memoria e historia, lugares y nombres, que fueron alguna vez invisibles.
Esta instalación me encantó, a parte de mi fanatismo por las cartografías y lo temporal, la presencia en el espacio es notable. Parece la vida retratada de un esquizofrénico en cautiverio al cuál se le pasan algunos elementos para que se entretenga. Tiene una mezcla de suspenso y locura que llaman la atención en la gran sala. Es plasmar en un espacio un mapa mental de un personaje confuso.
CILDO MEIRELES:
Al recorrer en zigzag la sucesión de cuartos de colores, primero, reconoces cierta identidad brasileña y la potencia del color innato en su materialidad, y luego atónito recorres el espacio de pulcro colorido expectante de que aparecerá alguien en el próximo corner que te alentará a seguirlo. Curiosa en terminar, ansiosa de encontrar a alguien en el próximo cuarto, maravillosas imágenes que te recuerdan a la típica representación del purgatorio donde sólo hay un color de fondo y una persona para enjuiciarte… una sensación de umbral alucinante.
THOMAS BAYRLE:
Los gráficos e impresiones experimentales de Bayrle son parte del legado del Pop Art Alemán, pero su interés sobre la relación artística de la sociedad, le ha permitido crear patrones visuales perplejos y fascinantes que determinan imágenes con un contenido social y político; a menudo probando la tensión entre individualidad y colectividad.
El trabajo gráfico del artista dispuesto de cielo a piso sobre muros con un motivo que se repite a modo de patrón, marea pero sorprende, llama la atención por sus coloridos y contenidos a veces confusos pero siempre alucinantes.
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